Por qué los Tony deberían dar un premio al público este año

El público del teatro ha sido atacado por todos lados desde que se reabrieron los lugares.

Los productores y directores artísticos de Broadway están enojados porque no aparecen en los números previos a la pandemia. Los críticos se quejan de que su gusto conservador está frenando el teatro estadounidense. Los actores, que reanudan su guerra contra los teléfonos y los caramelos ahora que ya no se requieren máscaras, están en pie de guerra por la mala etiqueta. Patti LuPone ha lamentado en voz alta la audiencia distraída y "tontada" de Broadway, que dice que se está volviendo más como "Disneyland, un circo y Las Vegas".

Al comienzo de mi viaje de teatro a Nueva York esta primavera, un itinerario agotador de ocho espectáculos en cinco días y medio, me encontré con mi sobrina para una matiné de "La vida de Pi". Estaba desordenado afuera del Teatro Gerald Schoenfeld en West 45th Street. Las bocinas sonaban a todo volumen, la multitud se arremolinaba y la seguridad gritaba a los poseedores de boletos que se pusieran en la fila correcta.

Bromeé, al estilo del tío cascarrabias, que la peor parte de mi trabajo a veces es el público. Pero después de mi maratón de funciones, me fui de la ciudad con un enorme agradecimiento a mis compañeros de teatro por su risa genuina, la seriedad de su atención, la generosidad de su emoción y la gracia de sus aplausos.

El teatro es tanto una forma de arte como un mercado, y los compradores de boletos de Broadway han recibido un trato injusto durante mucho tiempo. Más allá del ridículo costo de la entrada, la estafa en las concesiones, el infierno del transporte, las instalaciones sanitarias inadecuadas y los asientos de la cámara de tortura, está el desprecio general hacia los asistentes al teatro por no saber lo que es bueno para ellos.

Se debe prestar atención a la audiencia central que se ha mantenido firme y ha estado llenando estos lugares viejos y destartalados con su risa y empatía experimentadas. Los Premios Tony del domingo realmente deberían agregar un premio más a la lista de la noche: un premio especial para el incondicional espectador de Broadway, sin el cual toda la celebrada excelencia del año no tendría sentido como el proverbial árbol que cae en un bosque sin nadie alrededor. escucharlo.

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El musical "Some Like It Hot" lideró con 13 nominaciones a los Tony. "Kimberly Akimbo", la elección de la crítica como mejor musical, recibió 8. La obra de Tom Stoppard "Leopoldstadt", "Ain't No Mo'" y la reposición de "A Doll's House" obtuvieron seis nominaciones cada una.

No hay sonido en el mundo del espectáculo tan crepitante como un teatro de Broadway abarrotado. Las arenas son ciertamente más ruidosas y los estadios más bulliciosos, pero es difícil vencer a la multitud de un teatro cuando se trata de alerta irónica y discernimiento urbano. El virtuosismo entre este conjunto no se reconoce simplemente sino que se reconoce formalmente.

Cuando Lea Michele asumió el papel de Fanny Brice en la reposición de "Funny Girl" al comienzo de la temporada de otoño, la electricidad en la audiencia podría haber impulsado a todo el distrito teatral. Michele estaba haciendo un tour de force, pero la energía que salía del escenario en el August Wilson Theatre estaba siendo devuelta con interés. Había una conciencia generalizada de que algo trascendental estaba ocurriendo. Todos los que estaban sentados a mi alrededor, la gran mayoría de los cuales pagó el rescate de un rey para estar allí, entendieron cuán afortunados eran de experimentar esta confluencia perfecta de actor y papel.

Tuve una sensación similar de que algo extraordinario se estaba desarrollando en ese mismo viaje en octubre pasado cuando vi "Leopoldstadt", el drama épico nominado al Tony de Tom Stoppard sobre una familia judía comprometida con la cultura en Viena que es casi completamente aniquilada en el Holocausto. Esta es una obra que solo Stoppard podría haber escrito. Digo esto no por los orígenes autobiográficos de la obra, sino por su gran diseño verbal, que captura el cambiante espíritu de la época europea en lo que solo puede describirse como una serie de pinturas al óleo conversacionales.

Sintonizado con el patetismo histórico, el público estaba igualmente atento al ingenio del diálogo de Stoppard, sin querer perderse ni un momento de las bromas, que resucitan en forma teatral reluciente un mundo desaparecido. La atmósfera de silenciosa reverencia solo se vio realzada por el humor intelectual de un dramaturgo octogenario en la cima de su juego. La visión expansiva de Stoppard fue recompensada con una recepción en Broadway que estuvo a la altura de la profundidad del drama.

El público de Nueva York ha visto una buena cantidad de producciones de "Into the Woods" de Stephen Sondheim y James Lapine. Pero el renacimiento de Lear deBessonet (que se dirigirá al Teatro Ahmanson a fines de este mes) hizo que esta deconstrucción musical de los cuentos de hadas clásicos pareciera recién acuñada.

El humor era tan fresco y la dirección tan revitalizante que la reposición pudo adaptarse a un elenco rotativo. Cuando vi la producción durante las vacaciones de Navidad, Sara Bareilles, que hacía de Baker's Wife, ya no estaba en la compañía. Pero su reemplazo no fue otro que la ganadora del Tony, Stephanie J. Block, uno de los talentos del teatro musical más resplandecientes de la actualidad.

Este fue realmente un asunto de conjunto, pero algunas actuaciones dejaron impresiones imborrables. Brian d'Arcy James en todas sus magníficas bromas como el panadero; Gavin Creel, dotando tanto al lobo depredador como al principito de Cenicienta con una arrogancia distintiva; Joaquina Kalukango, haciendo sonar los himnos de la Bruja a los cielos oscuros de arriba; y la hilarante Katy Geraghty como la Caperucita Roja más descarada que he visto retozando en la casa de la abuela en el bosque.

Perdóname por dejar de lado a los otros miembros del elenco (¡Rapunzel de Alysia Vélez, El príncipe de Rapunzel de Joshua Henry!) quienes, independientemente de cuándo se unieron a la producción, eran parte de un todo perfecto. Pero no se puede dejar de lado a un socio teatral invaluable: el público, cuyo deleite vocal hizo de esta experiencia teatral en el St. James Theatre el mejor regalo navideño que recibí el año pasado.

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El actor Ben Platt y sus coprotagonistas de 'Parade' dijeron que no dejarán de contar la historia de Leo Frank en Broadway después de las protestas antisemitas.

"Parade" tuvo, con mucho, la casa de Broadway más tranquila que encontré en mi viaje de primavera. El silencio a veces puede ser un signo de desconexión. Este no fue el caso aquí.

Claramente audible en el Teatro Bernard B. Jacobs era la concentración de miembros de la audiencia que seguían el complejo musical de Alfred Uhry y Jason Robert Brown sobre la tragedia histórica de Leo Frank (Ben Platt), un gerente de una fábrica judía en el Sur que fue declarado culpable de atroces crímenes y finalmente linchado después de que el caso en su contra revela enormes grietas.

Platt le da crédito al director Michael Arden por convertir el juicio en un acto colectivo de testimonio. La forma en que los miembros de la compañía están posicionados para participar en los procedimientos, explicó Platt, invita a la audiencia a hacer lo mismo. Platt, que permanece en el escenario durante el intermedio como una especie de exhibición humana de la injusticia, dijo que al final los actores y el público casi se han convertido en uno.

En el extremo opuesto de la escala de decibeles está la nueva reposición de "Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street", protagonizada por Josh Groban y Annaleigh Ashford en el Teatro Lunt-Fontanne. Los adoradores seguidores de Groban crean un ambiente similar a un concierto. Los vítores comienzan incluso antes de que terminen los números de Sweeney, tan emocionados están los fanáticos de ver a Groban en el papel del barbero homicida en el thriller musical de Sondheim y Hugh Wheeler.

Pero en lugar de restarle valor a la meticulosidad de las actuaciones, el entusiasmo solo parece elevar el calibre. No había sentido tanta vitalidad en un lugar desde que "Hamilton" se estrenó en Broadway en 2015. Da la casualidad de que Thomas Kail dirigió tanto el musical de Lin-Manuel Miranda como esta satisfactoria reposición, y el mérito es de su astuto despliegue de sísmica teatral. talento.

Siempre modesto, Groban insistió en que la aclamación no es solo para él. Lo atribuyó al poder estelar del conjunto y a la nueva audiencia que ha estado llegando.

"Lo que ha sido una sorpresa tan increíble para nosotros es la cantidad de jadeos y 'Oh, Dios mío' que escuchamos en la audiencia", dijo. "Estoy acostado allí al final y pensando: 'Oh, nunca lo habían visto antes'".

La ciencia teatral que permite que la energía fluya libremente entre el escenario del proscenio y el auditorio se utiliza de manera experta en "Fat Ham", el riff ganador del premio Pulitzer de James Ijames en "Hamlet" en el American Airlines Theatre. Marcel Spears, quien interpreta a Juicy, la figura de Hamlet, interrumpe regularmente una barbacoa en el patio trasero para informar a la audiencia sobre la situación neo-shakespeariana que está llegando rápidamente a un punto de ebullición.

Los soliloquios se pueden realizar de una manera que mantenga a la audiencia a distancia. Pero Juicy de Spears usa estas brechas en la cuarta pared para invitar a la audiencia a entrar. El tono es casual y cómico, lo que nos facilita bajar la guardia. Pero antes de que nos demos cuenta estamos siendo implicados en la pregunta de si una historia necesariamente tiene que ser una tragedia. ¿Tenemos en nuestro poder elegir la comedia sobre la catástrofe y así darnos otro día para seguir adelante?

El espíritu comunitario de "Fat Ham" fue una manera perfecta de concluir un viaje que me llenó de un refrescante sentimiento de camaradería. Si bien todavía no disfruto de las largas colas en el baño o de lidiar con mensajes de texto compulsivos y estridentes recién llegados, el público de Broadway merece su propio elogio por hacer que las alturas sean mucho más altas de lo que hubieran sido de otra manera esta temporada. Todo el estrés y la tensión de ir al teatro disminuyen en el momento en que se apagan las luces y una sala llena de extraños inhala colectivamente en anticipación de la magia.